SFS 2022 : Demi Lune - une création originale de Katie Ward
14 juin 2022
« Mon objectif principal était d'ouvrir les possibilités de danser toute forme, intensité, vitesse, histoire ou énergie qui pourrait venir à l'esprit de chaque danseur. » / "My main objective was to open up possibilities for dancing any form, intensity, speed, story or energy that might occur to each dancer."
Entrevue avec Katie Ward, interprète, chorégraphe et enseignante qui signe la création originale Demi Lune, créée pour les étudiant.e.s de 1re année à la Formation supérieure en danse contemporaine de L’École de danse de Québec. La pièce est présentement à l'affiche dans le cadre du Spectacle de fin de saison 2022 (SFS 2022) de la Formation supérieure de L’EDQ, disponible en rediffusion jusqu'au 23 juin inclusivement.
L’interprète, chorégraphe et enseignante Katie Ward signe la création originale Demi Lune, créée pour les étudiantes de 1re année dans le cadre du Spectacle de fin de saison 2022 de la Formation supérieure en danse contemporaine de l’École, disponible en ligne sous forme de webdiffusion en différé du 8 au 23 juin 2022 inclusivement.
Dans cette entrevue*, elle nous fait part de ses démarches de création en tant qu'interprète et chorégraphe, de son intérêt envers sa pratique corporelle Vagabond, ainsi que du processus de création avec nos étudiantes pour Demi Lune.
*Important information for our English-speaking readers: You can consult Katie's answers to the questions in English below each answer in French. Have a good read!
- Lorsque vous enseignez aux futurs professionnels de la danse, qu’est-ce que vous souhaitez leur transmettre en premier lieu?
Quand j'enseigne à de futurs professionnels de la danse, la première chose que je veux leur transmettre est un sens d'engagement actif avec la danse et de recherche personnelle engagée sur sa propre danse - avec cela, je veux renforcer les intérêts personnels et les préférences des danseurs. Je cherche à activer les façons personnelles d'être, de penser et de bouger en catalysant l'engagement corporel de chaque danseur envers son imagination et sa propre danse. Je souhaite transmettre une ouverture d’esprit pour être un artiste responsable. Je soutiens que cet investissement actif de l’artiste soit fait avec curiosité, car à travers ceci, les spectateurs peuvent ressentir la présence et la poésie de chaque danseur. Faire, c'est être. La curiosité, c'est l'imagination. Activer et s'engager avec sa propre curiosité et son imagination est une façon d'être dans le monde.
When you teach future professional dance artists, what is the first thing you want to pass on to them?
When I teach, the first thing I want to transmit is a sense of active engagement with dancing and of committed personal investigation of one’s own dancing. And with this, I would like to empower the personal interests and preferences of the dancers. I seek to activate personal ways of being, thinking and moving by catalyzing each dancer’s full-bodied commitment to their imagination and dancing. I wish to pass on a sense that each dancer can be a responsible artist and by their investing actively with curiosity, the spectators will sense each dancer’s presence and the poetry of who they are. Doing is being. Curiosity is imagination. Activating and engaging with one’s own curiosity and imagination is a way of being in the world.
- Qu’est-ce qui vous a inspirée dans votre travail comme chorégraphe pour Demi Lune? Pourquoi avez-vous choisi ce titre?
C'est une occasion rare de travailler avec une groupe de dix-sept danseurs. Je cherchais des moyens pour que chaque danseur soit clairement visible tout au long de la pièce de danse. Lors d'une de nos premières répétitions, les danseurs étaient disposés en demi-lune et marchaient vers moi aussi lentement qu'ils le pouvaient. À ce moment-là, j'ai pu voir et sentir chaque personne très clairement. Quelqu'un a appelé cette configuration Demi Lune.
Il m’est important que la façon dont je travaille soit collaborative et que le matériel chorégraphique vienne de nous tous. Je cherche à récupérer des titres qui proviennent de l’expérience partagée. Lorsque nous avons discuté des titres possibles, Demi Lune a été suggéré. Pour moi, c'était un titre génial, car il faisait référence à cette configuration puissante où je pouvais voir et sentir tous les danseurs.
What fueled your inspiration in this creation? Why did you choose Demi Lune as the title for this piece?
It is a rare opportunity to work with a cast of seventeen dancers. I was working to find a way for each person to be seen clearly throughout the dance piece. In one of our early rehearsals, the dancers were arranged in a half moon formation walking towards me as slowly as they could. Right away I could see and sense each person very clearly. Someone called this configuration Demi Lune (Half Moon).
I always want titles to come from a shared experience and it feels important to me that the way I work is collaborative and that choreographic material comes from us all. When discussing possible titles, Demi Lune was suggested. To me it seemed like a great title because it referred to that powerful configuration where I could see and feel everyone.
- Comment décririez-vous le processus de création avec nos étudiantes de 1re année?
Le processus de création a été épique. Nous avons traversé un terrain riche et varié - le processus ressemblait à une sorte d'odyssée condensée en huit jours de pratique. Nous avons pratiqué la technique Vagabond (le processus qui consiste à essayer de danser toute la réalité) et nous avons travaillé à la création d'une chorégraphie à partir de cette pratique, en cherchant comment composer dans l'espace et comment créer une partition de performance claire, distincte et répétable, qui permettrait une découverte continuelle dans l'instant. La danse a été guidée par des indications pour un renouvellement continu de la forme au sein d'une structure répétable.
How would you describe the creative process with our first-year students?
The creation process was epic. We went through a rich and varied terrain - the process felt like a kind of odyssey that was condensed into eight days of practice. We practiced the Vagabond technique (the process of trying to dance all of reality) and we worked to create a choreography from this practice by looking at how to compose spatially and how to create a clear and distinct repeatable performance score that would allow for continual discovery in the moment. The dancing was guided by directions for a continual renewal of form within a repeatable structure.
- Quel était votre premier objectif avec cette création?
Mon objectif principal était d'ouvrir les possibilités de danser toute forme, intensité, vitesse, histoire ou énergie qui pourrait venir à l'esprit de chaque danseur - d'ouvrir un vaste éventail de possibilités dans lesquelles nous pourrions puiser en développant un moyen pour que chaque danseur se sente ancré dans son propre processus de découverte continue. Cette pratique consiste à être à l'écoute de soi.
What was your main objective with this creation?
My main objective was to open up possibilities for dancing any form, intensity, speed, story or energy that might occur to each dancer - to open a vast range of possibilities that we could draw from as we developed a way for each dancer to feel grounded in their own process of continual discovery. This practice is about listening to the self.
- Quels étaient les plus grandes réussites et les plus gros défis pour vous en tant que chorégraphe et pour les étudiantes?
Nous avons développé avec succès des compétences pour percevoir et incarner le soi avec toutes les images et impulsions qui proviennent de cette écoute profonde. Le processus que nous avons suivi pour atteindre cet objectif a été un défi passionnant et une réussite gratifiante pour moi et, je pense, pour les étudiants aussi!
We successfully developed skills for noticing and embodying the self with all the images and impulses that come from this deep listening. This process we went through to arrive at this objective was an exciting challenge and also a rewarding success for both me and, I think, also for the students!
What were the biggest challenges and the greatest successes for you as a choreographer and for the students? - Dans une entrevue sur votre site web, vous dites que vous êtes intéressée par le pouvoir de l'imagination et de notre perception de la réalité. Est-ce que c'est intérêt est représenté dans Demi Lune de quelconque façon?
Je me concentre sur l'influence de l'imagination et de la réalité dans ma pratique corporelle Vagabond. Dans cette pratique, la danse est formée à la fois par des choses que chaque danseur imagine, sent et intuitionne, et par des conditions physiques réelles et tangibles dans lesquelles le danseur doit travailler (le corps, la présence d'autres corps, l'espace, le temps, la gravité, etc.)
Le corps et la danse sont les lieux où cette imagination est perceptible - et où les conditions physiques réelles sont gérées. Je pense que la force de l'imagination et la force des choses plus tangibles (réelles) sont identiques et l’impact de celles-ci est visible dans le corps dansant.
Les spectateurs sont également engagés dans un processus d'observation de la danse qui est alimentée par les forces de l'imagination et de la réalité, ainsi que de leur propre imagination (pensées, images, moments de compréhension) et de la réalité du contexte de performance qui inclut cette danse. Tout cet assemblage de choses catalyse des pensées et des perceptions chez eux.
In an interview on your website, you said that you are interested in the power of imagination and our perception of reality. Is this interest of yours represented in Demi Lune? If so, how?
I work with the influences of imagination and of reality in my Vagabond body practice. In this practice, the dancing is formed both by things that each dancer imagines, senses and intuits as well as real tangible things and real physical conditions that the dancer must work within (the body, the presence of other bodies, space, time, gravity etc.).
The body and dancing are places where this imagination is perceivable – and where real physical conditions are managed. I think that the force of imagination and the force of more tangible (real) things is the same force and their impact is visible in the dancing body.
Spectators watch this dancing that is powered by the forces of imagination and of reality. They are also engaged in a process of noticing their own imagination (thoughts, images, moments of understanding) and the reality of the performance situation that includes dancing. All this assembling of different notions can catalyze further thoughts and insights in the viewers.
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L’École de danse de Québec tient à remercier Katie Ward pour le partage de ces quelques pensées avec le public avec tant de générosité!
L’EDQ reçoit chaque année plusieurs artistes, chorégraphes et professeurs invité.e.s afin d’initier les étudiant.e.s-danseurs.ses à divers processus créatifs.
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L’École de danse de Québec wishes to thank Katie Ward for sharing her thoughts with the public with such generosity!
Each year, L'EDQ welcomes several dance artists, choreographers et guest teachers to initiate the contemporary dance students to diverse creative processes.
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Katie Ward est une interprète, chorégraphe et enseignante de Montréal.
Katie travaille à partir des territoires traditionnels non cédés des peuples Kanien'kehá:ka, Haudenosaunee et Anishinaabe. Ses partitions de performance créent des conditions permettant de réimaginer ce que nous connaissons. Ses œuvres les plus récentes mettent en lumière les perspectives subjectives de l'interprète et du public en accédant au sentiment de chacun.e par le biais de partitions dansées et parlées. Elle a ainsi présenté un solo intitulé Anything Whatsoever (Festival TransAmériques, Montréal, 2021), deux œuvres de groupe - Dream Room, une coproduction avec Beeldend Danstheatre Telder, Pays-Bas, présentée en simultanément à AXENÉ07 & Scarabee et en direct sur YouTube, Gatineau/Arnhem - 2021, et imaginationreality (La Chapelle, Scènes Contemporaines, Montréal - 2019) ainsi qu'une partition parlée jouée par 12 spectateur.trice.s intitulée Machine For Really Real Imaginaries (SappyFest, Sackville, New-Brunswick - 2020) et une série de chansons intitulée Vagabond body (diffusée sur Radio Hull, AXENÉ07 et Daïmon - Gatineau 2020).
Ses précédentes chorégraphies incluent Human Synthesizer (Tangente 2017), Matière Grise (FTA, 2016), Infinity Doughnut (2014) et Rock Steady (2010). Ses créations ont été présentées au Québec et au Canada ainsi qu'au festival Nottdance - organisé par Dance4, au Festival Exit à la Maison des Arts de Créteil et au Festival Via à Maubeuge.
Katie est titulaire d'une maîtrise en pratiques théâtrales de l'Université Artez, à Arnhem, aux Pays-Bas et est également une enseignante dont la pratique intègre la chorégraphie, la danse, la dramaturgie, la biomécanique et l'anatomie expérientielle.
Crédits photo : Michael Feuerstack
VISIONNEZ DEMI LUNE
Demi Lune est disponible en ligne jusqu’au 26 juin 2022 à 23h59, dans le cadre du Spectacle de fin de saison 2022 des étudiant.e.s à la Formation supérieure en danse contemporaine de L’École de danse de Québec.
Étudiant.e.s de 1re année : Malicia André, Léa Bernier, Élizabeth Blouin, Coralie Carrier, Lila Dubois Pagesse, Capucine Dupasquier, Audrey Dupont, Mathilde Gendreau, Emma Gingras-Walsh, Aurore Huet, Amélya Levesque, Aurélie Pinto, Éloïse Prud’homme, Alexia Stephens, Jeanne Tavares Leblanc, Victoria Therrien, Meï Thongsoume, Aria Trotel, Annabelle Villeneuve-Landry
*Le programme Danse-interprétation de L'École de danse de Québec est offert en partenariat avec le Cégep de Sainte-Foy.
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WEBDIFFUSION DU SPECTACLE DES FINISSANT.E.S 2022 DE LA FORMATION SUPÉRIEURE EN DANSE CONTEMPORAINE